Starling Tatsuyaの作品を販売しています。

This site sells the works of Tatsuya Starling


アーティストステートメント↓

「模倣すらも終わったとき、何が描けるのか？」

私は「イメージの現代的更新」を主題に、既存の視覚イメージを引用・変換・編集する手法を通して、絵画における新たな実在を模索しています。そこにあるのは、「模倣とオリジナルの線引きを問う」姿勢であり、「創作とは何か？」という根源的な問いです。完全なオリジナルがもはや成立しえない現代において、私は模倣の失敗や逸脱、再構成のプロセスにこそ、創作の真の可能性があると捉えています。

とりわけ私の関心は、キャラクター文化の「使用後」の状態にあります。すでに大量消費され、複製され、意味を失った動物型キャラクターやポップなモチーフたちは、かつての機能を停止しながらも、どこかで生き残り続けています。そうした「終わったはずのイメージ」を、私はあえて描き直すことで、ポップカルチャーに内在する空虚さの継承というテーマに向き合っています。

この空虚さは、単なる喪失ではなく、むしろ現代の表象を形づくる積極的な構成要素です。断片化し、意味の全体性を持たないイメージたちは、それでもなお繰り返され、召喚されることで、新たな文脈のなかで語り始めます。私はその断片性を肯定し、あえて“壊れたままのイメージ”を提示することで、「描く」ことの意味を問い直したいと考えています。

こうした態度は、ヴァルター・ベンヤミンの「アウラの喪失」に通じます。私の描くキャラクターたちは、機械的複製や過剰な消費を経てアウラを失った、いわば“亡霊”です。彼らは語ることをやめた記号であり、意味の屍骸でありながら、なお現れ、画面上に幽霊的な残響を残します。私は彼らを、「生きたアイコン」としてではなく、むしろ「ゾンビ的＝幽霊的存在」として描きます。意味を喪失し、形だけが残った断片として、画面上に滞留する彼らは、もはや記号ではなく、“空虚のキャリアー”として現前します。

私の制作は、ダダイズムの破壊、ポップアートの記号操作、シミュレーショニズムの引用性、スーパーフラットの均質化という美術史的系譜を踏まえながら、それらすらも「使い果たされた後」の地平に立脚しています。私はその“使用後の地層”を掘り起こし、空虚の継承者たるキャラクターを、断片のまま、未完のまま召喚します。すなわち、描くこととは、すでに喪失されたものの断片を通じて、語りえぬものを語ろうとする試みでもあるのです。

けれども私は、これらの「使用後のイメージ」や「喪失の断片」を、単にネガティブなものとして捉えてはいません。
むしろその空虚さの内部には、意味や物語が死に絶えた後でもなお、繰り返し描かれてしまうという執拗な運動が潜んでいると感じています。

意味を持たないイメージが、意味を持たないままに再び現れる――その反復は、単なる残像や亡霊ではなく、イメージの再生可能性そのものを体現しています。
私は、キャラクターたちの「死後」を描くことで、そこに新たな存在の形＝ポスト記号的生命を探ろうとしているのです。

私の絵画は、単なる弔いや否定ではありません。
記号化され、消費され尽くしたイメージたちの「亡骸」を描くことで、そこに潜む微かな再生の契機を掘り起こそうとしています。
それは死後の生命、失敗の模倣から芽吹くイメージ、あるいは“再び意味を持たないこと”によって獲得される自由の空間です。

かつて物語を語るために生まれたキャラクターたちは、今や物語の外に追いやられています。
私はその外部にこそ、描くことの真の可能性が宿ると信じています。
描かれすぎたものを、もう一度描くこと。忘れられたものに、再びかすかな輪郭を与えること。
その営為は、創作の終焉後に訪れる「再起動の美学」であり、見る者に対して喪失と共存しながらもなお生き延びることの詩学を差し出すものです。

断片としてのキャラクターは、もはやかつての物語を語ることはできません。
ですが、その沈黙のうちに、語りえなかったことを語る力が宿っているように思います。
模倣に失敗したかに見える線、商品価値を失った図像、剥がれた視線の先――そうした壊れた視覚の残骸のなかにこそ、絵画という行為の再起動の可能性があるのではないでしょうか。

私にとって「描く」とは、失われたものへの弔いであると同時に、弔いを経た後の“ふたたび”への賭けでもあります。
それは、過去の記号や物語が終わった場所に立ち、なお描いてしまうという矛盾のなかで、終焉を肯定しながらも、新たな形式の生を探る行為です。

私の作品は、記号の亡霊たちが再び息を吹き返す場であり、意味を喪失したイメージの、静かな“ふたたび”の試みです。
それは、終わったはずの世界に向けて、なお描かれてしまうイメージたちの、小さな生なのです。

読んで下さってありがとうございます。

Artist Statement↓

“When even imitation has collapsed, what remains to be painted?”

I explore the question of what can be created in a time when originality has lost its foothold.
Through the citation, transformation, and re-editing of existing visual images, I search for a new ontology of painting.
The failure and deviation of imitation, the fragmentation and reconstruction of exhausted motifs—these are not limits, but rather sites of potentiality.

My particular focus lies in the “afterlife” of character culture.
Animal-like mascots and pop motifs, once mass-produced and deeply consumed, have lost their meaning, yet somehow linger.
I deliberately choose to repaint these “used-up images,” confronting the legacy of emptiness embedded within pop culture.

This void is not simply a loss, but a structural element that actively shapes contemporary visuality.
Images, fragmented and devoid of narrative wholeness, still recur, still return—
and through their repetition and recontextualization, they begin to speak anew.

In this, I find affinity with Walter Benjamin’s notion of the “loss of aura.”
The characters I depict are no longer iconic—they are ghosts, residues of meaning, post-symbolic presences.
Having undergone excessive reproduction and commodification, they no longer function as communicative figures, but instead float as spectral remnants—the carriers of void.

My practice engages with the legacy of Dada’s destruction, Pop Art’s semiotic games, Simulationism’s recursive appropriation, and the homogeneity of Superflat aesthetics.
Yet it also stands upon the strata that remain after even these have been exhausted.
I excavate from these “post-used sediments,” summoning characters that remain incomplete, broken, and suspended.
In doing so, painting becomes an attempt to speak through what has already been lost.

Still, I do not view these post-consumption images or symbolic fragments merely as negative.
Within the hollowness lies an incessant motion—the compulsion to reappear even after narrative and meaning have ceased.
Such repetition is not simply haunted; it embodies the regenerative potential of the image itself.

My paintings are not solely acts of mourning or negation.
By rendering the “remains” of exhausted symbols and consumed motifs, I seek to excavate faint seeds of renewal.
These are post-symbolic lives, new sprouts from failed imitation, and spaces of freedom achieved by no longer bearing meaning.

Characters once created to serve stories now drift outside those stories.
I believe that within that exteriority lies the true potential of painting.
To repaint what has already been painted; to re-outline what has been forgotten—
this is what I call the aesthetics of “reboot after the end,” a poetic gesture that offers cohabitation with loss, and survival through form.

Fragmented characters can no longer speak their original narratives.
But in their silence, a new kind of unspeakable speech may emerge.
Failed lines, defunct symbols, broken gazes—within these remnants of vision, I find the quiet possibility of restarting the act of painting.

To paint, for me, is to mourn—but also to wager on a second beginning beyond mourning.
It is to stand at the site of concluded narratives and nevertheless draw again, embracing paradox, and seeking a new form of being.

My work is where these ghostly symbols breathe again.
It is a quiet attempt to give “once-dead” images another moment of life—
an insistence that even after the end,
something still wants to be drawn.


Thank you for reading.

Contemporary Artist
Starling Tatsuya